梵高是19世纪的荷兰著名画家，作为后印象派的巨匠之一，梵高没有受过专门的绘画训练，生性聪敏过人，性格敏感易怒，梵高生前的绘画作品可以说是默默无闻并不起眼，他去世后，其作品才获得大家的喜爱和好评，所以梵高生前一直贫困潦倒。从梵高的绘画创作生涯来看，1881年他开始绘画，不久他接触了印象派的作品，著名画家高更、鲁本斯等对他的绘画创作产生了重要的影响。他的感情强烈，擅长用浓厚的色彩表达对绘画的狂热痴情，是画坛上继印象主义之后的重要革新者。梵高的油画《向日葵》是世界上最名贵的二十幅名画之一，是梵高在阳光明媚的法国南部所作，是情感激烈、狂热的即兴作品。向日葵金黄色的花瓣热情地向他绽放，他情绪激昂，用耀眼的黄色充斥整个画面，厚重的笔触带有雕塑感，给予人们温暖的感觉及精神上的振奋。梵高的油画艺术对后来法国出现的野兽主义、德国的表现主义及抽象派产生了深远广泛的影响。
创作背景
此幅《向日葵》创作于阳光明媚灿烂的法国南部的阿尔勒，现藏于伦敦国家画廊。梵高受荷兰传统绘画与法国现实主义画派的影响，绘画风格比较写实。1886年后受巴黎的印象主义画家和日本的浮世绘作品影响。因此他的视野大为开阔，作画的色彩变得明亮起来，而黄色就是一种充满激情而易于表达感情的色彩，黄色对于感情激烈喜好浓厚色彩的梵高来说，这是代表太阳的颜色，具有特殊的意义，同时黄色还不难看出象征爱情的用意，以此表达自己对爱情的渴望。另一个原因就是梵高特别喜欢向日葵，喜爱用向日葵来装饰他的房间，他曾多次创作以向日葵为主体的静物作品。当他来到法国南部的阿尔勒时，他就为南方的璀璨阳光而欣喜，更为住处附近正开得金灿灿的向日葵而深深感动。于是一部真实体现梵高艺术风格和钟爱的作品就在这样的背景下于1889年出炉了。
梵高《向日葵》油画之美
提到《向日葵》就仿佛提到了梵高，可见这幅作品有着举足轻重的地位。向日葵对梵高而言有着特殊的意义，油画本身是蕴含着作者的情感的，黄色是太阳的颜色代表着爱情和希望。《向日葵》创作于阳光灿烂的法国南部，画面中呈现出绚丽、明媚，同时又包含着和谐、优雅和细腻。向日葵不单单是植物而更多包含的是原始冲动的热情生命体。向日葵背景是用如同奶油般的黄色，表现单色平面，应该这就是日本版画对梵高的影响。而色调统一的同时纵横交错移动，形成了独特的质感。作品中花茎的部分梵高则是细致的用绿色涂满，画面是涂了两色背景后才补充画的蓝色横痕。这种手法显示受到在深色轮廓线包围的地方涂上亮色的日本浮世绘，以及高更的影响。加上细细的蓝线使得花瓶更加突出于背景。此画大体以黄色调和橙色调为主调，其中用蓝色和绿色细腻地勾出花瓣和花茎，签名和花的中心也使用了蓝色，形成了浓重的色点和醒目的效果。这些向日葵呈现出让人心神荡漾的灿烂辉煌。另外从作品中我们感觉到梵高是在激情难以控制的情绪状态下创作的。梵高在花瓶部分也很有特点。花瓶的两个颜色刚好和背景的两色相反，相对蓝线以下的部分看上去很平坦，上半部分却非常立体，而且用厚涂的手法强调厚厚的白色。他的精神意念和画面色调的统一象征太阳的金黄色和向日葵相交融。正如人们所说梵高是一位“扑向太阳的画家”。
画面上粗糙的台布，简单的陶罐花瓶，阳光层层叠叠交错的背景，台布上泛着点点光晕，正值是向日葵盛开的季节，十五朵向日葵中，其中几朵花盘未完全显露出来，带着一点娇嫩的绿色，另外几朵向日葵则是成熟的，甚至是即将凋谢的，整个画面流淌出来的是梵高内心金黄色的肆意渲染，也暗示着在阳光的沐浴下，向日葵仍然逃脱不了衰老凋谢的宿命，仿佛是短暂的灿烂。《向日葵》体现出来的永远都是激情和活力，它呈现出单纯的色面和确切的造型，算得上是凡高此类作品中的杰作。它以黄色为主色调，添上一点绿色和青色，犹如一支黄、绿的交响曲。此外，花在画面上是一种装饰性的构思，因为笔触有力，彰显出顽强的生命力。一种说法是梵高把自己比拟成了向日葵，用《向日葵》中的各种花姿来表达自我，然而一生坎坷，爱情、生活都不如意的他却画出了一幅跟他境遇色彩完全相反的作品。生活中有的只是孤独、抑郁和悲剧，梵高只能将渴望生活得到满足的潜意识倾注进想象的作品中去，因此，那一朵朵如火焰般灿烂的金黄色向日葵，在散发着秋天的成熟的同时，更狂放地表现出他对生活的热情、顽强追求和狂热的渴望；向日葵所代表的意义的第二种说法是感恩的象征。
梵高油画中的色调分析
在巴黎结识过印象主义画家后，梵高追求的色调便逐渐明亮起来，他发现自己唯一喜爱的就是色彩，那些辉煌的没有调和过的色彩。不过，梵高所表现出的色彩特征与印象主义画家的色彩有很大差异。他早期的油画作品中喜好用褐色调，这原本是荷兰画派的一种特点，但在他天性中唯有一种波澜起伏的热情，纵使他抛弃荷兰画派一贯的低沉和暗淡的特点，并且迅速地离开了印象派。梵高的油画作品色彩鲜明，色调明快，质朴且单纯，富有很强的表现力和冲击力。
梵高大量使用纯色调，让其作品的视觉冲击力倍增，其中黄色调是梵高在油画作品中经常使用的色调。对于绘画形体的表现，受日本版画的影响，梵高油画作品中粗实的轮廓线和对比强烈的色块给人予极大的视觉冲击。前期印象派对自然色彩真实的前期的印象派往往对色彩的要求是自然真实，而梵高油画作品的色调表现冲破了这种对对色调的运用、理解以及情感的抒发的束缚。他开始大胆冲破束缚随心所欲地创作。梵高的前期作品有部分是自然写生，虽然画面中强调了色调对比，但不重视传统绘画中的阴影空间表现，已显露抽象艺术。通过用明快的色调、夸张的色彩和黑白对比这些因素来完成作品。其中德国表现主义画家和挪威画家蒙克受梵高的影响最深。
梵高《向日葵》油画的创作意义
梵高《向日葵》油画流露出炽热的情感，绘画对于他来说是表达情感、同世界交流的方式，梵高在他的油画作品中展现自我，表达他火热的内心世界，这使得油画“鲜活”起来，仿佛赋予它生命，这更接近绘画的本质。梵高的一句话准确地表达了他的艺术追求：“我更希望通过强烈的色彩去表现自己，而不是一丝不变地将眼前利益准确描绘出来”。当人们厌倦了照相机、摄像机等工具过于准确描绘现实社会时，人们对绘画又有了重新的精神需求，而梵高的油画作品正是集艺术和精神为一体的绝佳作品。
很多人都说梵高是一个疯子，事实上梵高的油画作品对现实的指导意义正是精髓所在，而不需要去追究需不需要学梵高，我们需要对梵高油画作品中的艺术价值进行继承和发展，梵高的笔触、线条、色彩都是独一无二的，对后来的绘画流派产生了深远的影响。梵高《向日葵》作品中呈现之美正是他敢于通过绘画表达自己的情感和内心世界，而不是把绘画当成描摹世界的工具。
从《向日葵》这幅油画中，可以发现它就是梵高和向日葵的融合，它既有向日葵的阳光和灿烂，也蕴含有梵高内心的愤懑和忧伤。正如那句话所说：“真正的伟大的艺术，就是作品加上他全部的生命”。梵高是在用自己的生命和灵魂来作画。如果说他是个精神病人，那么他就是我们当中最杰出的精神病人。语言和观念的不同会给不同地区的人交流起来造成一些麻烦，但是对美的追求和向往的表现方式是没有国界的，虽然只是一盆向日葵油画，其中蕴含的情感是每个热爱绘画艺术的人士所能体会得到的。梵高去世距今已经有一个多世纪了，但他的忧伤和情感通过他的作品已经渐渐的展现在我们这些后人面前，他的肉体已去，灵魂却长存。绘画作为人类情感宣泄的一种途径，对梵高来说，他做到了。
来源：《艺术评论》2016年第12期 于琳琳
图片来源：《科普童话》2018年第04期
